In Eliogabalo di Antonin Artaud
si trova l’espressione “fiumi di sperma”. Lo lessi per la prima volta in comunità
psichiatrica: prestito del mio compagno di stanza. Trovo questi due elementi strettamente
interconnessi, e credo rispecchino la poetica di Artaud. Donato Di Poce, nel suo libro del 2019 Il
poeta e il suo doppio, edito I Quaderni del Bardo, inizia il saggio su
Artaud suddividendone la produzione in branchie Scrittura Automatica
visionaria-alchemica; invettiva metalinguistica di rivolta antigrammaticale; Animismo
escrementale; Poesia Totale e pittogrammatica; Anarchismo polisemico creattivo
e rigeneratore; Ecolalia primordiale e battesimale. Si tratta, in Di Poce, di un saggio
atipico, di matrice prettamente cubista. Specchio dell’artista che vuole
studiare nella carnalità delle sue parole. Se un poeta parla di un poeta, la
focalizzazione – si dice in scrittura creativa – è interna. Focalizzazione
sulla parola. Mi pare che, dal punto di vista non già del significato (pescando
da Saussure, e poi da Lacan, e quindi da Carmelo Bene) ma del significante, il
poeta, col tramite della parola inserita in contesti atipici, cerchi la luce.
Anche Baudelaire cercava la luce, se preleviamo il significato dalle sue
composizioni e lasciamo il significante, la traccia, il segno. Come ha fatto
per Pier Paolo Pasolini, Di Poce delinea – cito – un trattato su Artaud che
vada “oltre i luoghi comuni della contraddittorietà, e della follia”. Oltre lo
scandalo, al nocciolo duro. Dopo un quadro alquanto generico ma
lessicalmente saturo su Cahiers e Pittogrammi, Di Poce rompe il
patto col lettore per inserire, all’interno di un libro che si presuppone
essere di critica, una raccolta di componimenti poetici. Trovo la scelta in
linea con Artaud: è il flusso, è l’incandescenza, è la semantica spezzata, è lo
sperma.
“Un tomo di sangue e visioni
Che ci obbliga a credere alla vita.”
Così scrive Di Poce nella poesia XI. Un
uomo segnato dal lutto di sé – un Cechov schizofrenico, antiedipico – come
Antonin Artaud, in che modo crede nella vita? In che modo, ammesso e non
concesso che la tesi sopraesposta abbia senso, cerca la luce? Cantava De André:
Per chi viaggia in direzione ostinata e contraria, col suo marchio speciale,
di speciale disperazione; che tra il vomito dei respinti muove gli ultimi
passi, per consegnare alla morte una goccia di splendore. Ora, in prosa,
significato e significante stanno in rapporto identitario; in poesia, solo la
musica conta. Lo stesso coagulo di parole, se cantato, assume la sua carica di
sperma, di vita, di flusso artaudiano. Elettroshock, malattia. La vita è
perdita di sangue, la vita di Artaud in particolare, tanto quanto la vita del
giovane Eliogabalo. Ma è nel libro sacro, nel tomo, del sangue e della psicosi,
che i poeti – quando cantano davvero – ricercano la luce, obbligati a credere
nella vita.
Di Poce ha qualità di sintesi: distici
interni ai componimenti godono di autonomia. E lo sa. Il terzo blocco del libro
è costituito da – neologismo – “poesismi”: lampi di luce in prosa poetica.
Ne cito alcuni che mi paiono studiare
Artaud nella visceralità della parola, non tanto nel significato che sfocia nel
prosastico.
“La follia non è un dono
Ma un precipizio vivente
Una grazia che aiuta a pensare oltre.”
Il mio preferito cita Montale
(ricordiamo il “Non chiederci la parola che squadri da ogni lato”)
“Non chiedete ai poeti la parola che
plachi
Non ascoltate i pifferai dell’effimero
La poesia è fuoco che arde sotto la
cenere.”
Aggiungo, con Montale:
Codesto solo oggi possiamo dirti
Ciò che non siamo, ciò che non vogliamo
Il seguente, invece, sembra riassumere
l’idea lacaniana di irruzione del Reale, di rottura del tessuto linguistico
(Artaud, ovvio, ma anche Carmelo Bene con Nostra signora dei Turchi)
“Io non sono un poeta
Io sono lo squilibrio vivente della
scrittura
Il paradosso negato dell’essere
La singolarità plurima integrale
Il prisma intangibile del male.”
Notiamo l’ossimoro, caro a Di Poce
quando scriveva di Pasolini: negato/essere; singolarità/plurima/integrale. Il sottotesto politico, che non può –
ripetendo – non avere a cuore un poeta appassionato di PPP, è dato non già
tanto dai poesismi, quanto, nell’atipico saggio Il poeta e il suo doppio,
dalle illustrazioni, che accompagnano i testi di Di Poce, realizzate da
Emanuele Gregolin. L’Io, pare dire Di Poce parafrasando
Artaud e la corrente in cui lo si può far rientrare, a partire dalla
frammentazione linguistica di matrice joyciana, è un anticorpo della società;
in particolare l’Io del poeta: vediamo, a pagina 65, un volto schizzato sopra
la città, sovrapposto, ingrandito. “Io sono un artista martire”, dice Di Poce. “Colature di silenzi”, è di nuovo Di
Poce quando accompagna il disegno di un taccuino che contiene un uomo
stilizzato, come a dire che nel flusso poetico – sperma, di nuovo sperma – il
soggetto è sempre parlato, marchiato indelebilmente dall’Altro da cui non si
deve affrancare ma che deve ereditare soggettivamente, facendo sua la radice. È poi un blocco, nel saggio di Di Poce,
più tradizionale. Che inizia con l’ammissione di impotenza nel definire in modo
ordinato (come a sprazzi è la presente recensione, penso coerentemente) Antonin
Artaud. Un poeta (Di Poce) che studia un
poeta-critico (un autore, insomma, Artaud) che descrive le meccaniche sociali
dietro la tragedia di un altro poeta (visivo), Vincent Van Gogh. Matrioska
riuscita. Come se non bastasse, Di Poce studia le parole che Derrida gli ha
dedicato. Si inscrive così Artaud, malmenato da una società miope e fondata
sull’ordine psichiatrico repressivo, parimenti a quella che aveva ucciso Van
Gogh, nel tessuto e nella corrente del Decostruzionismo? Sarebbe
controintuitivo incapsulare uno schizofrenico (echi di antipsichiatria, ci
sarebbe da parlarne) in uno schema culturale e quindi sociale. Dunque, diciamo
di no. Con la locuzione “il gioco del fascismo
eterno di dio” si chiude la lettera – che Di Poce riporta – di Artaud a Pablo
Picasso. L’ho letta qui per la prima volta. Mi sembra che il dolore di Artaud,
affamato, picchiato, figlio unico, non perdonato, vinca sulla sua genialità. La
società, l’ordine psichiatrico, la fame: hanno vinto loro. È sempre così, pare sentenziare Di
Poce. Possono, però, esultare solo nella
vita; in letteratura, è il vinto che il poeta ama, a cui restituisce dignità. Il libro di Di Poce conferma
l’amore per una scrittura plurilinguistica di contaminazione tra saggio, poesia.
Un respiro di scrittura che aspira a un concetto e una praxis d’arte totale. Il
poeta scende dal palcoscenico del teatro e mette in scena la vita con tutte le
sue colature d’amore e di dolore con tutta la sua voglia spermatica generatrice
e copulatrice con il mondo. Ma mi chiedo se il dolore non ci
surclassi. Ho letto di recente lo splendido Storia
di mia vita. Memoir di un senzatetto polacco che vive a Roma dagli anni
Novanta, si chiude con una frase che riutilizzo volentieri, e che mi sembra
adatta:
Qui voglio finire mio racconto, perché
ho sofferto troppo.
*Marco Sbrana, nato a Milano il
26/03/2003, frequenta c/o la Scuola Mohole di Milano il corso di Scrittura
Creativa Avanzato. Sta approfondendo studi sulla narrativa
Americana del ‘900 (in particolare McCarthy, Faulkner, Carver). Quanto agli studi di cinematografia,
sta lavorando a ricerche su F. Fellini, P. T. Anderson, D. Lynch, e i fratelli
Coen. Ha scritto un romanzo sui disturbi
mentali e le strutture sanitarie, oltre a diversi racconti e poesie. Al
momento, la sua produzione è inedita.
